ARTISTAS DEL RENACIMIENTO
ARQUITECTURA
1.- Filippo Brunelleschi:
ANALISIS SENSORIAL._ Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva cónica.
ANALISIS SENSORIAL._ Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva cónica.
Fue contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio.
FICHA TECNICA._ Su biografía viene descrita en el cuento de Giorgio Vasari: Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri — 1542–1550).
CONTEXTO._ La cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores, es su obra más famosa y más controvertida. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia.La catedral de Florencia es gótica.
Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y contrarrestos de fuerzas. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una superposición de dos bóvedas esquifadas, octogonales, una dentro de otra, que estaban hechas de ladrillo, divididas en tramos a modo de gajos. Esta innovación permitía un reparto de esfuerzos, además de conseguir la sensación de ligereza.
La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal de madera, que más adelante se recubrió con mármoles, en el cual se abrieron ventanas circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ Inspirada en las basílicas paleocristianas que Brunelleschi estudió, se trata de un templo con planta de cruz latina de tres naves, planteada bajo un esquema 2-1, es decir con la nave central más alta y ancha.
En el interior, la nave central tiene el techado plano acasetonado y las naves laterales se cubren con concatenación de bóvedas vaídas. La separación de las naves se establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas un entablamento completo en el que descarga cadaarco de medio punto, consiguiendo mayor altura de una manera armónica.
Brunelleschi busca en esta iglesia fundamentalmente dos aspectos:
§ Horizontalidad: empleando elementos arquitectónicos que refuerzan la sensación de horizontalidad, como los entablamentos, la cubierta plana de la nave central, etc.
§ Armonía: buscó la armonía empleando criterios geométricos. Por ejemplo, establece formas cúbicas ya que la altura de las columnas es idéntica a la distancia entre columnas contiguas y entre éstas y los muros de las naves laterales.
La Basílica del Espíritu Santo es de estilo similar.
ICONOS DE LA OBRA._ La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a la masividad y la escasa iluminación interior de sus iglesias. Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa (monasterios e iglesias), teniendo su cumbre en la construcción de grandes catedrales, secular tarea en que competían las ciudades rivales; aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos, universidades, hospitales y viviendasparticulares de la nueva burguesía urbana) y arquitectura militar (castillos y murallas urbanas).
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ La arquitectura gótica es la forma artística sobre la que se formó la definición del arte gótico, el estilo artístico, comprendido entre el románico y el renacimiento, que se desarrolló en Europa Occidental la —cristiandad latina— en la Baja Edad Media, desde finales del siglo XII hasta el siglo XV, aunque más allá de Italia las pervivencias góticas continuaron hasta los comienzos del siglo XVI
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ La catedral de Florencia (Cattedrale di Firenze) comenzó a construirse en 1296 en estilo gótico. En principio estuvo dedicada a Santa Reparada, pero con la nueva obra comenzada a principios del siglo xv, se consagró a la Madre de Dios con el título de Santa Maria del Fiore.
En 1418 se habían fijado unos pilares y un tambor octogonales, aunque todavía no se determinaba el sistema técnico a seguir en la construcción de la cúpula. La rivalidad entre las ciudades-estado italianas impulsó una construcción que superara en tamaño y altura cualquier otra de Italia. Filippo Brunelleschi propone entonces una cúpula inspirada por la tradición gótica de abovedamiento en piedra y los principios de la construcción romana.
El diseño reúne las virtudes de una cúpula autoportante con la planta de una cúpula octogonal facetada. El domo está construido en base a dos cascarones paralelos, lo cual contribuye a reducir su peso total: la cúpula interior, realizada en ladrillo y piedra, se encuentra reforzada por nervios y por costillas horizontales concéntricas; la interior, protege al conjunto de las inclemencias del tiempo.
Ambas están unidas por bloques de piedra. Sin embargo, el mayor mérito de la edificación radica en que la cúpula pudo erigirse sin la necesidad de construir andamies desde la base de la iglesia -lo que hubiera supuesto una cantidad de madera y un sistema constructivo inabordable para la tecnología de la época-, de modo que las partes que se iban concluyendo servían de apoyo para los andamios de los tramos superiores. Los modillones que sobresalen en la base de la bóveda sirvieron para apoyar los andamios durante la construcción. La cúpula es el elemento más importante de la catedral.
Los ábsides de la fachada, en forma de medio octógono, fueron construidos en 1421, y aumentaron considerablemente las dimensiones de la planta cruciforme de la edificación gótica original. La taracea de mármol blanco, rojo y verde en las bandas, junto con las cornisas, otorgan un carácter horizontal al edificio, en contraste con la verticalidad de la arquitectura gótica convencional.
El campanario o campanile, que se encuentra al lado de la catedral presenta los mismos mármoles de color en la fachada. Había sido comenzado por el maestro Giotto en 1334,
Andrea Pisano continuó la construcción y Francesco Talenti la concluyó en 1359. Tiene una planta cuadrada de 14 metros, en cuatro pisos, sin contrafuertes de lado: el primero es un basamento bajo con relieves; sobre éste, otro más ancho, con esculturas; el siguiente tiene ventanas partidas con ajimeces; las ventanas del superior son más altas; y el último presenta un solo ventanal de grandes dimensiones y la cornisa de remate. La torre alcanza una altura de 82 metros.
La catedral está decorada con obras de artistas como Ucello, Dona-tello, Nanni di Bianco y Ghirlandaio. Tiene 155 metros de longitud máxima y 107 de altura, y es, junto con las de San Pedro de Roma, San Pablo en Londres y la catedral de Sevilla, una de las mayores del mundo. Constituye un ejemplo de la transición entre el mundo gótico y el nuevo espíritu de investigación científica y estética, confirmando a Italia como foco de un nuevo imperio cultural.
En 1418 se habían fijado unos pilares y un tambor octogonales, aunque todavía no se determinaba el sistema técnico a seguir en la construcción de la cúpula. La rivalidad entre las ciudades-estado italianas impulsó una construcción que superara en tamaño y altura cualquier otra de Italia. Filippo Brunelleschi propone entonces una cúpula inspirada por la tradición gótica de abovedamiento en piedra y los principios de la construcción romana.
El diseño reúne las virtudes de una cúpula autoportante con la planta de una cúpula octogonal facetada. El domo está construido en base a dos cascarones paralelos, lo cual contribuye a reducir su peso total: la cúpula interior, realizada en ladrillo y piedra, se encuentra reforzada por nervios y por costillas horizontales concéntricas; la interior, protege al conjunto de las inclemencias del tiempo.
Ambas están unidas por bloques de piedra. Sin embargo, el mayor mérito de la edificación radica en que la cúpula pudo erigirse sin la necesidad de construir andamies desde la base de la iglesia -lo que hubiera supuesto una cantidad de madera y un sistema constructivo inabordable para la tecnología de la época-, de modo que las partes que se iban concluyendo servían de apoyo para los andamios de los tramos superiores. Los modillones que sobresalen en la base de la bóveda sirvieron para apoyar los andamios durante la construcción. La cúpula es el elemento más importante de la catedral.
Los ábsides de la fachada, en forma de medio octógono, fueron construidos en 1421, y aumentaron considerablemente las dimensiones de la planta cruciforme de la edificación gótica original. La taracea de mármol blanco, rojo y verde en las bandas, junto con las cornisas, otorgan un carácter horizontal al edificio, en contraste con la verticalidad de la arquitectura gótica convencional.
El campanario o campanile, que se encuentra al lado de la catedral presenta los mismos mármoles de color en la fachada. Había sido comenzado por el maestro Giotto en 1334,
Andrea Pisano continuó la construcción y Francesco Talenti la concluyó en 1359. Tiene una planta cuadrada de 14 metros, en cuatro pisos, sin contrafuertes de lado: el primero es un basamento bajo con relieves; sobre éste, otro más ancho, con esculturas; el siguiente tiene ventanas partidas con ajimeces; las ventanas del superior son más altas; y el último presenta un solo ventanal de grandes dimensiones y la cornisa de remate. La torre alcanza una altura de 82 metros.
La catedral está decorada con obras de artistas como Ucello, Dona-tello, Nanni di Bianco y Ghirlandaio. Tiene 155 metros de longitud máxima y 107 de altura, y es, junto con las de San Pedro de Roma, San Pablo en Londres y la catedral de Sevilla, una de las mayores del mundo. Constituye un ejemplo de la transición entre el mundo gótico y el nuevo espíritu de investigación científica y estética, confirmando a Italia como foco de un nuevo imperio cultural.
2.- Alberto Churriguera
ANALISIS SENSORIAL._ La Plaza Mayor es un espacio urbano construido como plaza mayor castellana que con el tiempo se ha convertido en el centro de la vida social de la ciudad de Salamanca, España. Fue construida en el periodo que va desde desde el año 1729 al 1756, en estilo barroco.
FICHA TECNICA._ El diseño es del arquitecto Alberto Churriguera (pabellones Real y de San Martín) y posteriormente continuada por otros con pocas modificaciones respecto al proyecto inicial. A comienzos del siglo XIX sufrió diversas remodelaciones urbanísticas, hasta que poco a poco a mediados del siglo XX fue desprovista de sus jardines, quiosco de música central y urinarios públicos para quedar diáfana. Fue declarada BIC con categoría de Monumento el 21 de diciembre de 1973, publicándose en el BOE el 23 de enero de 1974.
CONTEXTO._ Nació como un espacio en el que se comerciaba de forma natural, junto a la antigua Puerta del Sol de la muralla salmantina y, por encontrarse allí la iglesia de San Martín, fue conocida desde el siglo XV como Plaza de San Martín.1 Por entonces era mucho más grande, casi cuatro veces más y se extendía no solamente por la actual plaza, sino que comprendía la plaza del mercado, la del Corrillo y la del Poeta Iglesias, siendo considerada como "La plaza más grande de la cristiandad", en la cual se realizaban simultáneamente todas las funciones de una plaza (fiestas, mercado, etc.).La idea de sus construcción proviene del empeño administrativo del corregidor andaluz Rodrigo Caballero que a su edad de sesenta años logra convencer al Ayuntamiento de la necesidad de una plaza más armónica y acorde con las corrientes urbanísticas de la época
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ En 1935, fue declarado Monumento Nacional, por ser la Plaza Mayor "más decorada, proporcionada y armónica de todas las de su época".
El aspecto actual, en lo que se refiere al pavimento (baldosas de granito gris, con marcas de granito rosa), se hizo hacia 1953 con granitos procedentes de las canteras de Carbellino. Hasta entonces tenía un jardín central, con árboles, arriates de flor y un quiosco de música en su centro. Una calle adoquinada lo contorneaba.
En la actualidad, la Plaza Mayor es el centro de la vida de la ciudad y un punto de encuentro habitual de los habitantes. En ella se encuentran innumerables bares y terrazas, además de la cafetería más antigua de la ciudad, el centenario Café literario Novelty, que al estilo del Café Gijón en Madrid, ha sido punto de encuentro habitual de los literatos y artistas de la ciudad, desde su inauguración en 1905.
ICONOS DE LA OBRA._ Las Casas Consistoriales nunca se terminaron: faltan dos torres sobre las alas laterales, que el arquitecto (Andrés García de Quiñones) no se atrevió a construir por considerar que la obra en la que debían apoyarse no reunía condiciones para resistir el peso, pero se conserva la maqueta de 1745. El proyecto de las torres se utilizó por su autor para concluir las torres de La Clerecia.En el arco de mayor alzada de la zona del Pabellón Real, junto a la salida el Mercado, aparece una inscripción que recuerda: «Aquí se mató una muger, rueguen a Dios por ella» (sic).
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ En el solar antiguamente conocido como “la mayor plaza de la cristiandad” y que abarcaba el espacio que hoy ocupan mercado central y plaza mayor, se comenzó a construir en 1729 lo que hoy es una de las señas de identidad de la ciudad de Salamanca. Su plaza mayor. Muchos creen que fue un favor de Felipe V como apoyo de la ciudad a su causa en la guerra de Sucesión, pero realmente no fue así, sino que la mayor parte del dinero para tamaña obra salio de bolsillos charros y su gran impulsor y a quien hoy se la debemos en gran medida fue el regidor de la época, Don Rodrigo Caballero y Llanes.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ La plaza mayor de Salamanca no es un cuadrado perfecto (es un cuadrilátero irregular) y ninguna de sus fachadas mide lo mismo. Aproximadamente, la fachada del Ayuntamiento mide 82,60 m, la fachada oriental (Pabellón Real) 80,60 m, la fachada oeste mide 81,60 m y el lado de San Martín mide 75,69 m. Haciendo un cálculo aproximado, la plaza tiene una superficie de unos 6400 m² sin contar los soportales. En total la plaza tiene 88 arcos de medio punto con medallones en los que se representan personajes importantes en sus albanegas.Cuando a Miguel de Unamuno, que hacía su tertulia diaria en la terraza que tiene en la Plaza el Café Novelty, refiriéndose a la misma, le preguntaban si era un cuadrado perfecto o no, él afirmaba:4
“Es un cuadrilátero. Irregular, pero asombrosamente armónico.”
3.- Donato d'Angelo Bramante
ANALISIS SENSORIAL._ A pesar de su simplicidad y su pequeño tamaño, ha tenido gran influencia en obras posteriores, desde el mismo San Pedro del Bramante, en la Catedral de San Pablo en Londres, diseñado por Wren en el siglo XVII.
FICHA TECNICA._ Fue encargado por los Reyes Católicos para conmemorar la Toma de Granada en 1492, levantándose en el lugar donde según la tradición fue martirizado San Pedro. CONTEXTO._ Se considera esta obra como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y austeridad decorativa.
El templete fue realizado en granito, mármol, travertino, con acabados de estuco y revoco.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ El templete se erige sobre una escalinata seguida de un corto podio sobre el que se eleva la columnata de orden dórico o dórico romano, rematado por unentablamento dórico (metopas y triglifos), coronado por una balaustrada. Tiene en total 48 metopas donde había representada una figura de busto repetida cuatro veces. El muro de la cella, con dos cuerpos, tiene un muro exterior decorado con nichos de remate semicircular, de concha de venera, que alternan con vanos adintelados (puertas y ventanas), separados por pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del peristilo.
ICONOS DE LA OBRA._ La edificación es de planta circular, e imita a los martyria orientales, pues de hecho es un martyrium. Dispone de una columnata que envuelve a la cella, cubierta por una cúpula semiesférica. Esta columnata conforma un peristilo. SIGNIFICADO DE LA OBRA._ También hay una clara referencia a la cultura griega en la forma circular, como un tholos griego.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ El Tempietto de San Pietro in Montorio fue el primer edificio de estilo clásico que se edifico en Roma, siendo una gran influencia en la arquitectura italiana del siglo XVI. De esta forma, la mayoría de los edificios del nuevo estilo han sufrido tantas modificaciones que el Tempietto es el único en proporcionar una visión inmediata de la obra de Bramante. Los discípulos de Bramante establecieron en toda Italia ese estilo clásico que se deja ver en el Tempietto, pero esta influencia solo quedó documentada mediante fuentes indirectas como dibujos realizados durante su construcción, libros de contabilidad y en los diferentes tratados de arquitectura.
4.- Domenico da Cortona
ANALISIS SENSORIAL._ Es el castillo más grande de los Castillos del Loira, pero fue construido para servir sólo como un pabellón de caza para el rey Francisco I, quien mantuvo sus residencias reales en el Castillo de Blois y en el Castillo de Amboise.
CONTEXTO._ La abundancia de torres, de pequeños campanarios y de chimeneas decoradas, las salas en cruz con las bóvedas con artesones y la inmensa escalera de dos vueltas situada en el corazón del Castillo de Chambord, constituyen el modelo de la arquitectura del Renacimiento francés.
ICONOS DE LA OBRA._ Los jardines del Castillo de Chambord son simplemente sorprendentes, y aún más sorprendente es el parque que rodea al castillo dentro de la muralla de 31 kilómetros de longitud. Algunas partes del parque pueden ser visitadas por el público en general pero otras se encuentran cerradas para preservar la fauna original de la zona. Este es el parque amurallado más grande de toda Europa.
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ Al entrar al lugar se respira un ambiente tranquilo pero también algo "vacío", dada la inmensidad de la edificación. El Castillo de Chambord, al igual que muchos otros castillos en Francia, alberga muchas obras de arte. Varias piezas de gran valor artístico pueden encontrarse en las paredes del castillo. Es importante recalcar que la naturaleza artística del castillo no se limitaba únicamente a la pintura; la música y el teatro también formaba parte del castillo. De hecho, Moliere presentó por primera vez en Chambord sus trabajos inmortales "Monsieur de Pourceaugnac" y "Le bourgeois Gentilhomme".
El castillo está rodeado por 52,5 km² de árboles, que forman un bosque de 31 kilómetros. El castillo es un cuadrilátero en cuyo interior se sitúa el torreón contra el lado norte. Dentro del torreón, en el cruce de los grandes vestíbulos perpendiculares a los que dan aposentos, la escalera de tramos dobles une las circulaciones verticales y horizontales y le permite subir a las terrazas o bajar hacia el patio. Al salir de una sala, si se encuentra en un vestíbulo con ventanas en un extremo y la gran escalera esta visible.
5.-Antonio Averlino o Filarete
ANALISIS SENSORIAL._ «Filarete», como es conocido universalmente, nació probablemente en Florencia y comenzó su carrera artística en la misma ciudad, seguramente en el taller de Lorenzo Ghiberti.
FICHA TECNICA._ Dicho Trattato d'architettura lo acabó en torno a 1465; tuvo una amplia divulgación en manuscrito. Un manuscrito profusamente ilustrado del Trattato, el Codex Magliabechiano, de hacia 1465, dedicado a Pedro de Médicis y conservado en Florencia, sugiere que Filarete había perdido el favor en Milán poco después de completar este Trattato
CONTEXTO._ El estilo que Filarete llamaba el «bárbaro estilo moderno», que instaba a los lectores a que abandonasen, es el estilo gótico del Norte de Italia. Gran parte de este tratado, en el que favoreció la forma de un diálogo — aquí entre el mecenas y su arquitecto— es un relato detallado de una ciudad imaginaria y en cierto modo mágica, Sforzinda, bautizada así en honor del mecenas de Filarete. 
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ La ciudad, que él comparaba con un cuerpo humano ideal, se inscribía dentro de una estrella de ocho puntas de muros inscritos dentro de un perfecto foso circular, el primero de muchos planos de ciudades ideales con forma de estrella que reaccionaron contra los espacios populosos e irracionales de la ciudad medieval. Ocho torres se colocan como bastiones en los puntos salientes de la estrella, y ocho puertas eran la salida de avenidas radiales, cada una de las cuales pasaba por una plaza de mercado, dedicadas a ciertos géneros. ICONOS DE LA OBRA._ En el centro de Sforzinda estaba la piazzaformalmente compuesta, un cuadrado doble que era un stadio de largo y medio stadio de ancho, con la catedral en su cabeza y una torre vigía. Los edificios de Sforzinda y su decorado altamente simbólico se describían detalladamente, junto con los cálculos astrológicos requeridos para la armonía, otras materias perfectamente prácticas como fortificaciones, al lado del descubrimiento de un Libro Dorado que detallaba los edificios de la Antigüedad.
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ Los aspectos del de romance cortesano tardo-gótico de este tratado sobre la arquitectura no fueron del gusto del más racional siglo XVI: Giorgio Vasari despreció el tratado de Filarete como «el más ridículo y quizás el más estúpido libro que se haya escrito nunca». La primera publicación del Trattato de Filarete tuvo que esperar a que el manuscrito del Codex Magliabechiano fuese editado por W. von Ottigen, en 1894.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ En la entrada principal del Patio Ducal museos es una escalera que conduce a la Rocchetta y segundo pisos primero, que la casa de los Castillo Sforzesco colecciones de arte aplicada. En la primera planta es la llamada Sala della Balla, donde las damas y los caballeros de la Corte Sforza se entretenían. Aquí están los magníficos tapices Trivulzio, fabricado en Vigevano de acuerdo a los dibujos animados Bramantino. En el salón de baile son también algunas de las exposiciones pertenecientes al museo de instrumentos musicales. La colección fue adquirida por la ciudad de Milán a partir de los años 50 con la colección Gallini, sino que también incluye una amplia gama de otras exposiciones, en particular los instrumentos de cuerda de la Lombardía. En las siguientes salas son del siglo 17 y 16 de laúdes, laúdes arco, cítaras, guitarras y cuerdas que hicieron las familias de Cremona (los Amati y Guarneri del) conocido en el siglo 17. Los instrumentos de viento se merecen una gran atención también, para comenzar con los cuernos de caza de edad, los instrumentos de madera numerosas (por ejemplo, flautas, oboes, clarinetes, cuernos Inglés) y los fagotes. También hay muchas exhibiciones de valor, como Longo diez cuerda de guitarra de mango, un clavicordio del siglo 16 de la escuela de Venecia, María Anciuti de oboe Johannes (1722) y una armónica de cristal raras, que había pertenecido a Pietro Verri. No hay que olvidar, una sección con una colección de instrumentos no-europeos y dos habitaciones (habitación y sala XXXIV XXXV) con una colección de instrumentos donados al museo del castillo por el Monzino Fundación Antonio en 2000. En el segundo piso de la Rocchetta se exhibe una gran variedad de artes decorativas de la Lombardía, incluyendo la cerámica artística, muebles antiguos, objetos de marfil que data desde el 4 hasta el siglo 18, esmaltes de Limoges instrumentos científicos y los medidores de tiempo. Entre el marfil, el cónsul de dípticos y la pequeña placa de Trivulzio, en la que la familia se retrata de emperador Ottone, merecen especial atención, entre las joyas, la custodia de Voghera debe ser mencionado. Hay interesantes exposiciones de hierro forjado, así como cristalería, mayólica y porcelana, poner en orden cronológico, desde la Edad Media hasta el siglo 19. Algunas obras son de pintores mayólica grandes del Renacimiento - por ejemplo, Francesco Xanto Avelli y Nicola da Urbino - algunos otros por la China fábricas más importantes del siglo 18 en Europa - por ejemplo, Meissen, Viena, Capodimonte y Ginori de Doccia. 6.- Domenico Fontana
ANALISIS SENSORIAL._ conocida en castellano como Archibasílica de San Juan de Letrán es la Catedral de Roma, donde se encuentra la sede episcopal del Obispo de Roma (el Papa). Está dedicada a Cristo Salvador, sin embargo es más conocida con el nombre de San Juan, debido a que tanto Juan Evangelista como Juan Bautista indicaron al Salvador. FICHA TECNICA._ El nombre oficial es Archibasilica Sanctissimi Salvatoris, es la más antigua y la de rango más alto entre las cuatro basílicas mayores o papales de Roma, y tiene el título honorífico de "Omnium urbis et orbis ecclesiarum mater et caput" (madre y cabeza de toda las iglesias de la ciudad de Roma y de toda la tierra), por ser la sede episcopal del primado de todos los obispos, el Papa. Fue consagrada por el Papa San Silvestre en el año 324
CONTEXTO._ La tradición cristiana indica que los terrenos y la residencia de los Lateranos fueron donados al obispo de Roma (la fecha de la donación no es segura pero debería ser durante el pontificado del Papa Melquíades), en señal de gratitud del emperador a Cristo que le había hecho vencer en la batalla, apareciéndosele durante el sueño.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ La Basílica de San Juan de Letrán es la catedral de Roma y la sede oficial eclesiástica del obispo de Roma o el Papa. Con su nombre oficial, Archibasilica Sanctissimi Salvatoris ("Archibasílica del Santísimo Salvador"), la Basílica de San Juan de Letrán es la más antigua y ocupa el primer lugar (siendo la catedral de Roma) entre las cuatro basílicas mayores de Roma. También ostenta el título de "madre iglesia ecuménica" o la iglesia madre de todo el mundo habitado entre todos los católicos romanos. Como la catedral del obispo de Roma (por lo tanto, que contiene el trono papal, Cátedra Romana), se sitúa por encima de todas las otras iglesias de la Iglesia católica romana, e incluso por encima de la famosa Basílica de San Pedro en la inscripción Vatican.An en la fachada, Christo Salvatore, dedica Letrán como Archibasílica del Santísimo Salvador desde las catedrales de todos los patriarcas se dice que están dedicados a Cristo mismo.ICONOS DE LA OBRA._ La tradición cristiana indica que los terrenos y la residencia de los Lateranos fueron donados al obispo de Roma (la fecha de la donación no es segura pero debería ser durante el pontificado del Papa Melquíades), en señal de gratitud del emperador a Cristo que le había hecho vencer en la batalla, apareciéndosele durante el sueño.
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ El baptisterio de esta basílica es un edificio independiente de planta octogonal, y tiene la forma típica de los baptisterios de los primeros siglos, cuando el bautismo se hacía por inmersión. Por tanto, cuenta con una piscina en la cual el neófito se sumergía para salir por el lado opuesto.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ La actual basílica es de estilo barroco, obra de la radical transformación de Borromini en el siglo XVII y de época anterior se conservan los magníficos mosaicos del ábside, el cimborrio gotico y el maravilloso pavimento de estilo "cosmatti". En lo alto de la fachada se encuentran estatuas de Cristo, los dos Juanes (el Evangelista y el Bautista) y los Apóstoles. La fachada ha sido deliberadamente hecha siguiendo el estilo de la de San Pedro. En las columnas a ambos lados de la nave central hay estatuas de los 12 Apóstoles. Bajo el altar mayor está enterrado el Papa Martín V, bajo cuyo pontificado se abrió por primera vez la Puerta Santa en esta basílica. El ara de este altar es una losa que, según la tradición, es la misma que usaban San Pedro y los primeros Papas al celebrar la Misa. Sobre el altar hay un baldaquino con un relicario en el que se conservan las cabezas de San Pedro y San Pablo. En el fondo del ábside está la cátedra, el trono episcopal del obispo de Roma (el Papa), hecho de mármol y mosaicos. ESCULTURA
1.- Miguel Angel Buonarroti
ANALISIS SENSORIAL._ Esta obra fue realizada en la etapa de juventud o clásica del autor y fue encargada desde Florencia para ser colocada en la Plaza de la Señoría donde ha permanecido hasta hace poco que fue trasladada a la Galería de la Academia de Florencia.
CONTEXTO._ La escultura del Renacimiento tiene dos momentos:
1) El Quattrocento que se caracteriza por sus formas esbeltas, blandas y curvilíneas, por el usto de lo narrativo, la gran expresividad de los sentimientos y emociones, por sus movimientos suaves, su realismo, el avance en el tratamiento del desnudo, la utilización del mármol, el bronce y la cerámica policromada dejando de lado a la madera, la representación de temas religiosos, mitológicos y alegóricos y sin olvidar los retratos ecuestres, toda esta escultura se encuentra en Florencia. Los dos autores más representativos son: Lorenzo Ghiberti (segundas y terceras puertas de la catedral de Florencia) y Donatello (San Marcos, San Jorge, San Juan, Profeta Habacuc...).
2) El Cincuecento, que se caracteriza por el triunfo de la monumentalidad, por obras simples y monumentales y la fabricación casi absolutamente solo de bulto redondo. En esta época el autor más representativo es Miguel Ángel que es el mayor escultor de la historia con diferencia y que tapa a los demás autores de la época, entre los que podemos nombrar a Cellini yGianbologna, los cuales son escultores manieristas.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ Las proporciones del David no corresponden exactamente a las de la figura humana: su cabeza, manos y torso son más grandes de lo estipulado según las proporciones clásicas. Algunos críticos han visto en esta aparente desproporción una muestra de manierismo por remarcar los elementos fundamentales de la composición, aunque otra explicación se debería a la ubicación original de la estatua: sobre uno de los contrafuertes de la Catedral de Florencia, por lo que las proporciones de la escultura deberían aparecer de forma correcta a cierta distancia.Existe una incoherencia: el David aparentemente no está circuncidado a pesar de ser judío, lo que contradiría la ley judaica. Esta aparente incoherencia ha sido justificada por algunos críticos e historiadores por la visión que tenía el arte renacentista del ser humano, menos ligado a la religión y más a los valores de la belleza.6
ICONOS DE LA OBRA._ El David contrasta con las representaciones previas de Donatello y Verrocchio en las que David aparece con el cuerpo de Goliatasesinado.En la versión de Miguel Ángel, Goliat no aparece, por lo que se interpreta que aún no ha sido vencido. El cuerpo de David es el de un hombre musculoso, no el del muchacho de las obras de Donatello y Verrocchio. En lugar de aparecer victorioso como en las dos versiones antes mencionadas, David aparece en tensión y preparado para el combate. Su cuerpo se encuentra girado con un ligero contrapposto: la pierna izquierda se adelanta a la derecha, el brazo izquierdo se eleva y se curva hasta que la mano casi toca el hombro, mientras que el brazo derecho se deja caer hasta que la mano toca el muslo,el torso se curva sutilmente, la cabeza mira hacia su izquierda, manteniendo los ojos fijos en su objetivo, con el ceño fruncido.El rostro evidencia esta tensión contenida,además,con una mueca de odio y las aletas de la nariz bastante abiertas.El movimiento es contenido, centrípeto con líneas de fuerza que vuelven al bloque. La mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar pero aún no ha comenzado el combate. Otros expertos, como Giuseppe Andreani (director de la Academia de Bellas Artes de Florencia), opinan sin embargo que la escena muestra el momento inmediatamente posterior al final de la batalla,y que David contempla tranquilamente su victoria. 
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ Esta es una escultura exenta o de bulto redondo realizada en mármol blanco totalmente clásica en la que podemos observar un gran desarrollo de la anatomía de un hombre en plenitud física y desnudo integral. Gran detallismo sobretodo en las extremidades como la cabeza, las manos y los pies, su pelo está hecho con total naturalidad y detallismo. Observamos la famosa curva praxiteliana tan exagerada en la cadera y el contraposto, e incluso vemos dos ramas en la pierna más atrasada para darle sujeción a la escultura y un detalle en la mano derecha, la honda esta obra está hecha solo para verla de frente (frontalidad), ya que se hizo de un gran bloque de mármol muy largo, delgado y estrecho por lo que la parte trasera aunque también está estudiada anatómicamente , aparece muy aplastada. Es una obra de mucha altura (4,10m) y esbeltez.2.-Miguel Ángel Buonarroti.
ANALISIS SENSORIAL._ La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.
FICHA TECNICA._ (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida:
§ Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido.2§ Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.3
CONTEXTO._ a escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la Naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari «había sido un mundo propio de godos», y el reconocimiento de los clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran multitud de obras maestras.ICONOS DE LA OBRA._ la escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía humana. En Italia convivieron por igual los temas profanos con los religiosos; no así en otros países como España y Alemania, donde prevaleció el tema religioso.
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre las partes se encontraba bien definida, y el contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello a Miguel Ángel. En esta época es cuando se dio prácticamente la liberación de la escultura del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a la sensación de gran terribilità en los sentimientosexpuestos en las esculturas de Miguel Ángel, como en el rostro de su David.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ La composición del grupo escultórico dibuja una estructura piramidal, equilibrada, expresando tranquilidad, como marcaban las premisas neoplatónicas. El triángulo viene marcado actuando de vértice la cabeza de María y de base la del grupo escultórico. Cabe aquí recordar que entre todas las formas geométricas, el triángulo y el círculo son las preferidas para representar la divinidad. Los cuerpos tienen un tratamiento diferente, ya que el de Jesús aparece con un cuidado estudio anatómico que muestra el perfecto conocimiento que el artista tenía de los recursos expresivos propios de su oficio, llegando a plasmar un cuerpo en el que no se esculpen las huellas del inmenso sufrimiento que soportó Jesús antes de morir, mientras que el de María aparece totalmente cubierto por los gruesos ropajes que dejan adivinar una musculatura y proporciones en principio superiores a las que corresponderían a su rostro, valorando esas grandes anatomías tan del gusto del artista. El tratamiento del manto, cincelado con grandes cavidades, provoca contrastes de luz y sombra que realzan el valor plástico de la obra. Precisamente los rostros muestran una belleza idealizada en el sentido neoplatónico, ya que vemos que María es más joven que su hijo, lo cual no es sino un recurso para mostrarla “Eternamente Virgen”.3.- Alessandro Leopardi o Leopardo
ANALISIS SENSORIAL._ Hermosa y perfecta unión entre el poder y el valor dócil montura expresión piloto impecable orgulloso y duro que nos mira desde lo alto de su pedestal por más de cinco siglos.
FICHA TECNICA._ En 1479 Verrocchio fue llamado a Venecia por la República de la Serenísima para llevar a cabo la que se convertiría en su obra más representativa: el monumento ecuestre de Bartolomeo Colleoni. Tras su fallecimiento, la Señoría de Venecia encargó el término de la obra a Alessandro Leopardo, que fundió el caballo y dio en 1495 los últimos toques a la obra.CONTEXTO._ El dinamismo de esta fuerza de trabajo y lleno de vida ofrece una armonía entre el animal y el jinete que lo hace, sin favoritismo, una de las esculturas ecuestres más perfecto del Renacimiento.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ La presencia de la cresta de Colleoni puede ser interpretado como un signo de respeto y consideración por lo que después de defender la vida en Venecia, todavía dejó una ayuda providencial después de su muerte, para que pudiera defenderse.
Venecia, Italia
ICONOS DE LA OBRA._ La relación de Colleoni con Venecia no estuvo exenta de altibajos. Consecuencia de esa tensión fue la cuestión del monumento ecuestre, que en principio debería haberse erigido en la plaza de San Marcos, según los deseos del propio Bartolomeo. Venecia, siempre atenta a evitar el culto a la personalidad de los condottieros, cumplió sólo en parte ese deseo. De hecho el monumento, erigido a cargo de los herederos de Colleoni, se erigió en otra plaza, menos prestigiosa, pero que tenía también el topónimo de San Marco. El lugar elegido fue el campo de San Giovanni e Paolo, donde se encuentra la Scuola de San Marco.SIGNIFICADO DE LA OBRA._ El caballo sigue el patrón fijado por los caballos de San marcos y por el caballo de marco Aurelio, pero su musculatura está trazada y subrayada con más nervio. Por lo que respecta al condottiere, aparece animado por una energía ardiente y contenida. Esta imagen portadora de la armadura y el casco del "furor" constituye un poderoso y atractivo símbolo del vir bellicus.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ El escultor más destacado del siglo XV fue sin duda Donatello. Trabajó, con mármol y bronce, materiales propios del Renacimiento, y entre sus obras podemos señalar las representaciones de David y la estatua ecuestre del Condottíere Gattamelatta, primera del mundo moderno. En un marcado intento de emulación, su discípulo y colaborador Andrea de Verrocchio, realizó reinterpretaciones de ambas obras. En la última, el alumno representó la figura de Bartolomeo Colleoni montado a caballo, cuya composición trascendió la falta de movimiento todavía presente en el modelo de su maestro.
4.- Lorenzo Ghiberti
FICHA TECNICA._ La Puerta del Paraíso es la puerta este del Baptisterio de Florencia, se encuentra ubicada frente a la catedral de Santa María del Fiore. Fue realizada por el orfebre y escultor Lorenzo Ghiberti en 1452
CONTEXTO._ s su obra cumbre y una de las obras más destacadas del Renacimiento.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ a de las mayores revoluciones en la historia del arte se dio en Florencia en torno al año 1400: La escultura, a diferencia de la pintura renacentista, nació de una manera brusca y no como consecuencia de un largo proceso. La escultura fue la primera de las artes que despertó el Renacimiento y ello le conferirá el marcado carácter plástico de este período artístico. Los escultores florentinos encontraron en los diversos géneros romanos sus modelos, a través de los cuales plasmarán la vida de Florencia.
ICONOS DE LA OBRA._ En 1424, Lorenzo Ghiberti había concluido la puerta que se encuentra sobre el lado norte, esta puerta había nacido a consecuencia de un célebre concurso del que había participado hasta Filippo Brunelleschi. Después de una estancia en Venecia se le encarga inmediatamente la realización de la última puerta del baptisterio (la primera, hoy al sur, fue realizada por Andrea Pisano entre el 1330 y el 1336). La gestión de la obra fue muy larga, duró 27 años.SIGNIFICADO DE LA OBRA._ Lo suyo no va a ser una copia literal de la antigüedad, sino una superación de la misma hasta niveles inverosímiles. La innovación formal florentina reside en un nuevo orden que simboliza el nuevo antropocentrismo que desplaza la vieja teoría medieval. Lorenzo Ghiberti fue el primer gran escultor del siglo XV.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ Luego de concluir las segundas puertas del Baptisterio florentino en 1424 mediante un concurso en el que retomaba un primer trabajo nada desdeñable de Andrea Pisano, Ghiberti era ya toda una celebridad en Florencia hasta el punto en que, sin concurso previo, se le encargaron las terceras puertas de dicha edificación permitiéndosele hasta cambiar el número de los asuntos que se habían propuesto conforme al programa que había trazado el erudito Leonardo Bruni. Estas terceras puertas, conocidas como la Puerta del Paraíso, fueron la mayor obra maestra jamás realizada por Ghiberti, un escultor a menudo denominado como “maestro de una sola obra”. 5.- Pierre Picart
ANALISIS SENSORIAL._ La Universidad Sancti Spiritus constituye uno de los edificios renacentistas más notables del País Vasco, y es un exponente del arte de transición del plateresco al manierismo purista. La construcción del edificio se inició en 1543 bajo el patronazgo del emperador Carlos I, participando en la misma el maestro cantero Domingo de la Carrera y el escultor Pierres Durand, más conocido como Pierre Picart.
FICHA TECNICA._ Fundada por el obispo y humanista oñatiarra Don Rodrigo Mercado de Zuazola en 1540 bajo el nombre de Universidad del Sancti Spiritus y mediante un bula del Papa Pablo III, en un principio estuvo ubicada en Hernani, pero en 1548 se trasladó a Oñate. Las especialidades que impartía eran Teología, Leyes, Cánones, Artes y Medicina. La universidad fue estrictamente católica hasta que en 1869, tras la Revolución de 1868, albergó la Universidad libre. Más tarde pasó a manos de los carlistas, quienes fundaron la Real y Pontificia Universidad Vasco-Navarra. A finales de siglo se convirtió en la Universidad libre católica, pero la institución cerró sus puertas en 1901. El País Vasco se quedó sin universidades, vacío que condujo a la fundación en Bilbao de la Universidad de Deusto. En la actualidad, desde 1989, el edificio acoge el Instituto Internacional de Sociología Jurídica (IISJ).
En 1931 el edificio fue declarado Monumento Histórico-Artístico Nacional. Es Bien de Interés Cultural.CONTEXTO._ cuya denominación precisa es Universidad del Sancti Spiritus, es un monumento renacentista de la villa de Oñate en Guipúzcoa, País Vasco (España
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ Desde mediados del siglo XVI a principios delsiglo XX funcionó como la primera y única universidad del País Vasco.
ICONOS DE LA OBRA._ Fue levantada por Pierre Picart en torno a 1546. Se construyó primero la portada central con la entrada principal, que tiene gran similitud con la delConvento de las Dueñas de Salamanca. A ambos lados se añadieron sendos pilastrones esculpidos con figuras de bulto, relieves y columnillas, y prolongados con torrecillas, a inspiración del Colegio de Santa Cruz de Valladolid. Otros dos pilastrones de similar traza se sitúan en los esquinales de cada torre lateral, que son un piso más altas que el cuerpo principal. Las cuatro torrecillas así como los restantes seis vértices de las aguas de los tejados de los cubos laterales son rematadas por figuras de guerreros.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ La Capilla de Sancti Spiritus posee un retablo plateresco de gran valor artístico. Su ejecución fue contratada en Valladolid en 1534 por el obispo de Ávila con el entallador Gaspar de Tordesillas, en tanto que de su dorado y estofado se debieron encargar al año siguiente los pintores abulenses Jerónimo Rodríguez y Cristóbal de Bustamante. Sito bajo una bóveda de nervadura cuadrifoliada, se trata de un pieza de cuatro alturas más predela y siete entrecalles separadas por balaustres, de traza escalonada, e imágenes exentas en lugar de relieves narrativos. Los temas centrales son la Asunción de laVirgen María, los patronos de la universidad y la villa, el Espíritu Santo y San Miguel. El tímpano es curvo, lo que da al conjunto un aspecto aovado.
6.- Damián Forment
ANALISIS SENSORIAL._ es una escultura en alabastro policromado y dorado de Damián Forment que procede del Convento de Carmelitas Descalzas de Santa Teresa, conocido como «Las Fecetas», de Zaragoza (Aragón, España).
FICHA TECNICA._ (c. 1515) Muy alabada por el padre Naci en 1739, recibió ese nombre por la ubicación original de la pieza en el coro de la iglesia conventual. Se trata de un busto de la Virgen de medio cuerpo con el Niño recostado sobre dos cojines, quien toma con su mano el dedo índice de su madre. En la descripción del padre Casi se dice que María ofrecía al Niño unas flores, y ya se aludía a la mella de la barbilla, que debió ser repuesta posteriormente
CONTEXTO._ El esplendor del Renacimiento en Aragón, Zaragoza, Gobierno de Aragón; Museo de Bellas Artes de Bilbao. España en el Renacimiento.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ La estatua conserva resos de pan de oro original del cabello de la Virgen, aunque en el resto de la imagen se ha constatado que se repolicromó en el siglo XVIII, momento en el que se pintarían de rojo labios y ojos y se añadirían unas florecillas en las vestiduras de la Virgen.
ICONOS DE LA OBRA._ Destaca este bulto redondo por la calidad de la textura conseguida en el alabastro, escogido entre los mejores bloques de las canterasdel Ebro en Aragón. Estos eran de no muy gran tamaño, lo que explica la finura y las proporciones de la imagen (36 x 40 x 14 cm).
Guarda semejanzas con el estilo de las escenas de la predela del Retablo de la Basílica del Pilar de Zaragoza, que fue iniciado en 1509; en concreto la Virgen sigue el prototipo de la figura homóloga en la escena de la Anunciación del banco del retablo pilarista, a su vez partiendo de modelos de Paolo de San Leocadio y que abandonó en su etapa de madurez.
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ La composición se inspira en el Renacimiento escultórico italiano, que tiene paralelos en la Virgen con el Niño de Benedetto da Maiano (Siena, Colección Monte dei Paschi).
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ Destaca este bulto redondo por la calidad de la textura conseguida en el alabastro, escogido entre los mejores bloques de las canterasdel Ebro en Aragón. Estos eran de no muy gran tamaño, lo que explica la finura y las proporciones de la imagen (36 x 40 x 14 cm).
PINTURA
1.-Leonardo da Vinci._
ANALISIS SENSORIAL._ Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.
FICHA TECNICA._ nacido en Vinci el 15 de abril de 1452 y fallecido en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloñay Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.
CONTEXTO._ fue un pintor florentino y polímata la vez artista, científico, ingeniero,inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, La Monna Lisa, La Joconde en francés o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.
ICONOS DE LA OBRA._ Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ se cree que tiene la mas bella sonrisa en la historia del arte, ademas es muy enigmatica
Tene en cuenta que fue pintada en pleno renacimiento, y cumple con los canones de belleza de la epoca, ademas se cree que existe otro cuadro de similares caracteristicas que seria la verdadera "mona lisa".
Tene en cuenta que fue pintada en pleno renacimiento, y cumple con los canones de belleza de la epoca, ademas se cree que existe otro cuadro de similares caracteristicas que seria la verdadera "mona lisa".
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen.
Aparece sentada en una galería, viéndose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas.
La galería se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en losAlpes, cuando hizo su viaje a Milán. El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que parece rodear a la modelo. Se ha intentado localizar el aparente recodo del Arno o una porción delLago de Como, sin haber llegado a conclusiones definitivas. Muchas veces se ha tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados no permite que se diseñe un modelo continuado de la imagen. Debe tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar más alto que el derecho, entrando en contraste con la física, puesto que el agua no puede encontrarse estática a desnivel en el terreno. Al respecto, el historiador de arte, E.H. Gombrich, expresa que:
En consecuencia, cuando centramos nuestras miradas sobre el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece más alta o más erguida que si tomamos como centro la derecha. Y su rostro, asimismo, parece modificarse con este cambio de posición, porque también en este caso las dos partes no se corresponden con exactitud
La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con que se pintaron.Vasari, en efecto, sí habla de cejas: «En las cejas se apreciaba el modo en que los pelos surgen de la carne, más o menos abundantes y, girados según los poros de la carne, no podían ser más reales». Según otros expertos, Leonardo nunca le pintó cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente, nunca llegó a terminar la obra.
El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa considerada enigmática. Cuenta Vasari que
Mientras la retrataba, tenía gente cantando o tocando, y bufones que la hacían estar alegre, para rehuir esa melancolía que se suele dar en la pintura de retratos.
Sin embargo, no existen evidencias de dicha afirmación.
El brazo izquierdo descansa sobre una butaca. La mano derecha se posa encima de este brazo. Esta postura transmite la impresión de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos.
La técnica de Leonardo da Vinci se aprecia con más facilidad gracias a la "inmersión" de la modelo en la atmósfera y el paisaje que la rodean, potenciada además por el avance en la "perspectiva atmosférica" del fondo, que sería logro final del Barroco, y en la que los colores tienden al azulado y la transparencia, aumentando la sensación de profundidad.
La conservación de la obra es mediana. Acusa una fisura relativamente importante en el borde superior, que desciende en vertical sobre la cabeza del personaje. Las capas de barniz han amarilleado por el tiempo. Pero se dice que los responsables del Louvre se resisten a abordar una restauración en profundidad, por miedo a alterar el aspecto de la obra. Mediante un programa informático, se ha recreado el aspecto que debería tener la obra, si se eliminasen las capas de suciedad.
La sonrisa
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro. El juego de sombras potencia la sensación de desconcierto que produce la sonrisa. No se sabe si parece sonreír o si es una sonrisa llena de amargura.
Margaret Livingstone, experta en percepción visual, desveló en el Congreso Europeo de Percepción Visual que se celebró en La Coruña que la enigmática sonrisa es "una ilusión que aparece y desaparece debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imágenes". Livingstone señala además que los artistas llevan mucho más tiempo estudiando la percepción visual humana, que los mismos médicos especialistas en el tema.
El ojo humano tiene una visión fotópica, fóvea o directa, y la escotópica o periférica. La primera sirve cuando se trata de percibir detalles, pero no para distinguir sombras, que es la especialidad de la segunda. Leonardo pintó la sonrisa de la Mona Lisausando unas sombras que se ven mejor con la visión periférica. Para ilustrar el efecto, puede concentrarse la mirada en una sola letra sobre una página impresa y comprobar lo difícil que resulta reconocer el resto de letras. Por otro lado, para efectos de esclarecer los enigmas, se utilizó un software especializado en la "medición de emociones", el cual fue aplicado a la pintura para obtener datos relevantes acerca de la expresión de la modelo. La conclusión revelada por el programa, es que La Mona Lisa está un 83% feliz, un 9% disgustada, un 6% temerosa y un 2% enfadada. El software trabaja sobre la base de tomar en cuenta rasgos como la curvatura de los labios y las arrugas producidas alrededor de los ojos. Tras obtener las mediciones, se compara con una base de datos de expresiones faciales femeninas, la cual contiene una expresión promedio.
2.-Vincent Willem van Gogh
ANALISIS SENSORIAL._ son objeto de dos series de naturalezas muertas pinturas del holandés pintorVincent van Gogh . La serie anterior ejecutado en París en 1887 le da las flores en el suelo, mientras que el segundo ejecutado un año más tarde en Arles muestra los ramos de girasoles en un jarrón. En la mente del artista, ambos conjuntos estaban vinculados por el nombre de su amigo Paul Gauguin , que adquirió dos de las versiones de París. Unos ocho meses después, Van Gogh espera dar la bienvenida y para impresionar a Gauguin de nuevo con los girasoles , que ahora forma parte de la pintadadécoration se preparó para la habitación de su Casa Amarilla , donde Gauguin se supone que la estancia en Arles. Después de la partida de Gauguin, Van Gogh imaginado las dos versiones principales como las alas del Tríptico Berceuse , y, finalmente, que los incluyó en su exposición en Les XX en Bruselas.
FICHA TECNICA._ fue un holandés post-impresionista pintor cuya obra tuvo un gran alcance influencia en el arte del siglo 20 por sus colores vivos y el impacto emocional. Él sufría de ansiedad y cada vez más frecuentes ataques de la enfermedad mental a lo largo de su vida y murió, en gran parte desconocidos, a la edad de 37 a partir de una bala auto-infligida la herida.
CONTEXTO._ es ampliamente considerado como uno de los más grandes pintores de la historia y un importante contribuyente a las bases de arte moderno . Van Gogh no comenzó pintando hasta treinta años, y la mayoría de sus conocidos funciona mejor se hayan producido durante sus últimos dos años. Ha producido más de 2.000 obras de arte, compuesta por alrededor de 900 pinturas y dibujos de 1100 y bocetos. Hoy en día muchas de sus piezas, incluyendo sus numerosos autorretratos , paisajes, retratos y girasol -se encuentran entre las obras y caro del mundo más reconocibles del arte.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ Como Van Gogh prevista en 1889, los girasoles , finalmente se convirtió en la suya, y fue - junto con autorretratos - como los brazos artístico y alter ego hasta el día de hoy: no hay exposición retrospectiva de Van Gogh desde 1901 se perdió voluntariamente las mismas, incluyendo, y la riqueza de un de falsificaciones, así como el establecimiento de precio récord pagado en una subasta reconoce su éxito de público: Tal vez, porque Van Gogh Los girasoles son más que otro él - que se puede considerar, como Gauguin lo puso, la flor .
ICONOS DE LA OBRA._ Poco se sabe de las actividades de Van Gogh durante los dos años que vivió con su hermano Theo en París, 1886/1888. El hecho de que él ha pintado girasoles ya en este tiempo sólo se revela en la primavera de 1889, cuando Gauguin se exige una de las versiones de Arles, a cambio de los estudios que había dejado atrás después de salir de Arles para París. Van Gogh se molestó y contestó que Gauguin no tenía absolutamente ningún derecho para esta petición: Definitivamente estoy manteniendo mi girasoles en cuestión. "Tiene dos de ellos ya, vamos que lo tienen hecho. Y si es que no está satisfecho con el intercambio que ha conmigo, puede recuperar su pequeña tela Martinica, y su autorretrato me envió de Bretaña,, al mismo tiempo darme vuelta tanto mi retrato y el girasol lienzos dos que él ha tomado a París. Así que si alguna vez se aborda este tema de nuevo, te he dicho cómo están las cosas. " SIGNIFICADO DE LA OBRA._ Los dos girasoles en cuestión muestra dos botones cada uno, uno de ellos fue precedida por un pequeño estudio, y un gran lienzo cuarto combina composiciones.
Estos fueron los primeros cuadros de Van Gogh con "nada más que los girasoles" -, sin embargo, que ya había incluido girasoles en la naturaleza muerta y el paisaje anterior.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ Los girasoles es una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh. De la serie hay tres cuadros similares con quince girasoles en un jarrón, y dos con doce girasoles, también en un jarrón. Van Gogh pintó el primer Jarrón con doce girasoles -que se encuentra actualmente en el Museo Neue Pinakothek de Munich- y el primer Jarrón con quince girasoles -que se encuentra en la National Gallery, Londres-, en agosto de 1888, cuando vivía en Arles, en el sur de Francia. Las siguientes pinturas similares las pintó en enero del año siguiente. Las pinturas están todas pintadas en lienzos de cerca de 93 × 72 cm.
3.- Jan o Johan Vermeer
ANALISIS SENSORIAL._ La pintura joven de la perla ( holandés : Het Meisje se reunió de Paredes ) es una de holandeses pintor Johannes Vermeerobras maestras s 'y como su nombre indica, utiliza una perla pendiente para un centro de coordinación .
FICHA TECNICA._ fue un holandés pintor que se especializó en domésticos exquisito interior escenas de la vida de clase media. Vermeer fue un éxito moderado provinciales pintor de género en su vida. Parece que nunca ha sido particularmente ricos, dejando a su esposa e hijos en la deuda a su muerte, tal vez porque él produjo pocas obras relativamente. [ 3 ]Artista: Johannes Vermeer; Año: alrededor del año 1665; Tipo: Óleo sobre lienzo;
CONTEXTO._ Hoy la pintura se conserva en el Mauritshuis en la galería de La Haya . A veces se refiere como "la Mona Lisa del Norte "o" los holandeses Mona Lisa ".
Tracy Chevalier escribió una novela histórica , también titulada La joven de la perla (1999), ficcionalización de las circunstancias de la pintura de la creación. En la novela, Johannes Vermeer se convierte en estrecha colaboración con un funcionario de ficción llamada Griet, a quien contrata como ayudante y se ha sentado para él como modelo de pintura al usar uno de los pendientes de la perla la mujer de su. [ 4 ] La novela inspiró una película de 2003 [ 5 ] y 2008 Escuchar [ 6 ] del mismo nombre. La película de 2003 estrellas Scarlett Johansson como la chica con el arete de perla, Griet. Johansson fue nominada a varios premios, incluyendo un Globo de Oro y un Premio BAFTA a la Mejor Actriz en un Papel Protagónico nominación.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._ En el cuadro de Vermeer destaca especialmente la gran perla en forma de gota que cuelga de la oreja de la muchacha. Según el místico Francisco de Sales: “Pienso que esta joya significa en sentido espiritual que la oreja es la primera parte que un hombre quiere tener de su mujer y que la mujer debe conservar más fielmente”. Así pues, está bien claro que la perla constituye un símbolo de castidad y por tanto alude a la posibilidad de que el cuadro pudo haber sido pintado con motivo de la boda de esta joven.
ICONOS DE LA OBRA._ Más reciente Vermeer literatura apunta a la imagen de ser un Tronie , el 17 del siglo descripción holandesa de una "cabeza" que no estaba destinado a ser un retrato. Después de la reciente restauración de la mayor parte de la pintura en 1994, la combinación de colores sutiles y la intimidad de la muchacha la mirada en el espectador ha sido mucho mayor. En 1937, una pintura muy similar, sonriente niña
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ Debe tener algo que ver con el hecho de que la niña mira por encima del hombro, como si la esperanza de ver quién está de pie detrás de ella. Esto lleva al espectador en la imagen, lo que sugiere que él es el único que ha hecho la chica a su vez la cabeza.
Igualmente importante, sin embargo, son colores frescos de Vermeer, virtuosismo técnico y la prestación de los sutiles efectos de luz. El turbante es animado, por ejemplo, con el pequeño pone de relieve que son el distintivo de Vermeer. La perla, también, es muy especial, que consiste en poco más de dos pinceladas: un toque brillante en su parte superior izquierda y el suave reflejo de la de cuello blanco en su parte inferior.
Luego está la chica, que mira a nosotros, los ojos muy abiertos, su boca sensual se separaron. Ella hace una desinhibida, impresión de algo que esperan que no puede dejar de emocionantes nuestro interés, aunque no tenemos idea de quién es.
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ sobre un fondo neutral, oscuro, con tendencia al negro, la muchacha de perfil mira hacia el espectador. La boca está ligeramente abierta, un signo de que la persona habla al espectador, superando así el límite del cuadro. La cabeza está ligeramente inclinada, despertando la sensación de que la muchacha está perdida en pensamientos soñadores; y, sin embargo, fija la mirada atenta en el espectador. Viste una chaqueta marrón amarillenta contra la que destaca el luminoso blanco del cuello de la blusa. El siguiente contraste lo tenemos en el turbante azul, de cuyo extremo cae, a modo de velo, un paño amarillo limón sobre los hombros. El tocado de la muchacha resulta exótico. Los turbantes en Europa ejercían una gran fascinación ya en el siglo XV.
