miércoles, 6 de abril de 2011

OBRAS IMPORTANTES DE LA ARQUITECTURA Y PINTURA

ARQUITECTURA
·         Filippo Brunelleschi 


ANALISIS SENSORIAL._ Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva cónica.
Fue contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio.
FICHA TECNICA._ Su biografía viene descrita en el cuento de Giorgio Vasari: Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri  15421550).
CONTEXTO._ La cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las Flores, es su obra más famosa y más controvertida. Esta enorme cúpula no sólo destaca sobre el conjunto de la iglesia sino que es una referencia visual en toda la ciudad de Florencia.
La catedral de Florencia es gótica.
La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal de madera, que más adelante se recubrió con mármoles, en el cual se abrieron ventanas circulares, que proporcionan iluminación cenital al interior del crucero. Es la primera vez que la estructura bien definida de una cúpula ofrece el mismo aspecto en el interior que en el exterior.
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._  Inspirada en las basílicas paleocristianas que Brunelleschi estudió, se trata de un templo con planta de cruz latina de tres naves, planteada bajo un esquema 2-1, es decir con la nave central más alta y ancha.
En el interior, la nave central tiene el techado plano acasetonado y las naves laterales se cubren con concatenación de bóvedas vaídas. La separación de las naves se establece mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas un entablamento completo en el que descarga cadaarco de medio punto, consiguiendo mayor altura de una manera armónica.
En el crucero dispuso de cúpula como cerramiento.
Brunelleschi busca en esta iglesia fundamentalmente dos aspectos:
§  Horizontalidad: empleando elementos arquitectónicos que refuerzan la sensación de horizontalidad, como los entablamentos, la cubierta plana de la nave central, etc.
§  Armonía: buscó la armonía empleando criterios geométricos. Por ejemplo, establece formas cúbicas ya que la altura de las columnas es idéntica a la distancia entre columnas contiguas y entre éstas y los muros de las naves laterales.
La Basílica del Espíritu Santo es de estilo similar.
ICONOS DE LA OBRA._ La arquitectura gótica puso especial énfasis en la ligereza estructural y la iluminación de las naves del interior de los edificios. Surgió del románico pero acabó oponiéndose a la masividad y la escasa iluminación interior de sus iglesias. Se desarrolló fundamentalmente en la arquitectura religiosa (monasterios e iglesias), teniendo su cumbre en la construcción de grandes catedrales, secular tarea en que competían las ciudades rivales; aunque también tuvieron importancia la arquitectura civil (palacios, lonjas comerciales, ayuntamientos, universidades, hospitales y viviendasparticulares de la nueva burguesía urbana) y arquitectura militar (castillos y murallas urbanas).
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ La arquitectura gótica es la forma artística sobre la que se formó la definición del arte gótico, el estilo artístico, comprendido entre el románico y el renacimiento, que se desarrolló en Europa Occidental la —cristiandad latina— en la Baja Edad Media, desde finales del siglo XII hasta el siglo XV, aunque más allá de Italia las pervivencias góticas continuaron hasta los comienzos del siglo XVI
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ La catedral de Florencia (Cattedrale di Firenze) comenzó a construirse en 1296 en estilo gótico. En principio estuvo dedicada a Santa Reparada, pero con la nueva obra comenzada a principios del siglo xv, se consagró a la Madre de Dios con el título de Santa Maria del Fiore.

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ANÁLISIS SENSORIAL: La Capilla Pazzi 


FECHA TÉCNICA: los fondos para la capilla fueron reunidos en 1429 por Andrea Pazzi, director de la Pazzi familia, cuya riqueza fue sólo superada por los Medici, la construcción no comenzó hasta alrededor de 1441. La capilla fue terminada en el 1460.
CONTEXTO: considerada como una de las obras maestras de la arquitectura renacentista . 
ANÁLISIS SIMBÓLICO DE LA OBRA: Era una obra de Filippo Brunelleschi , ahora parece que lo más probable era responsable del plan, que se basa en formas geométricas simples, [ 1 ] el cuadrado y el círculo, pero no para la construcción de la ejecución y el detalle. Una fachada que había comenzado, y de los cuales sólo el registro inferior puede ser visto, fue parcialmente oscurecida por la adición de un porche.
ICONOS DENTRO DE LA OBRA:  El tamaño de la capilla estaba predeterminado por las paredes existentes, creando una situación inusual, sin embargo, donde el espacio no era cuadrado como en la Sacristía Vieja, que fue el modelo para este edificio, pero rectangular y crucero-como y por lo tanto en oposición a la plaza, axial-colocado el altar.
SIGNIFICADO DE LA OBRA: el edificio nos da una idea de las ambiciones de los arquitectos del Renacimiento en su lucha para dar coherencia al lenguaje arquitectónico de columnas, pilastras , arcos y bóvedas .
ANÁLISIS FORMAL O ESTÉTICO DE LA OBRA: Entre las pilastras del crucero hay alto, blanco, cabeza redonda y paneles, por encima de ellos, medallones , motivos decorativos comunes Renacimiento. Los elementos arquitectónicos del interior están en pietra serena (inglés: "piedra serena").

·         Andrea Palladio 



ANÁLISIS SENSORIAL: Palazzo Chiericati
FECHA TÉCNICA: El arquitecto comenzó las obras en 1550 , un trabajo más se completó con el patrocinio del hijo de Valerio Chiericati y heredero. Sin embargo, el palacio no se terminó hasta que finalmente alrededor del año 1680, posiblemente por Carlo Borella 
CONTEXTO: El palacio fue construido en un área llamada dell'Isola plaza ("cuadrado isla", en la actualidad Piazza Matteotti), que albergaba el mercado de la madera y el ganado. En ese período se trataba de un islote rodeado por las Retrone Bacchiglione y arroyos, y para proteger la estructura de las inundaciones frecuentes, Palladio diseñó en una posición elevada: la entrada se puede acceder por una escalera de estilo clásico triple. De pequeños núcleos urbanos
ANÁLISIS SIMBÓLICO DE LA OBRA: la principal fachada del palacio El está compuesto de tres tramos, el tramo central proyecta un poco. Las dos bahías fin han logge en el piano nobile nivel, mientras que el tramo central se cierra. La fachada tiene dos órdenes superpuestos de columnas dóricas en la planta baja con iónicos arriba. El techo está decorado con estatuas .
ICONOS DENTRO DE LA OBRA: Dóricas y capiteles jónicos, entablamento con metopas de los discos que alternan con cabezas de toros, y los techos artesonados profunda rica ornamentación las logias. Las cifras y las urnas por encima de la cornisa se añadieron en el siglo XVII.
SIGNIFICADO DE LA OBRA: es un renacentista del palacio de Vicenza (norte de Italia ), diseñado por Andrea Palladio .
ANÁLISIS FORMAL O ESTÉTICO DE LA OBRA: La entrada principal se centra en la planta baja y conduce a una sala rectangular que une a las salas de menor dispuestas simétricamente a cada lado. Estas habitaciones de cambio en la proporción de rectángulo de la plaza de rectángulo y disminuyen de tamaño. Directamente detrás de la sala de entrada principal, un vestíbulo, frente a los cuales las escaleras en cada lado para llevar el piano nobile, se abre al patio rectangular en la parte posterior.

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ANÁLISIS SENSORIAL: Villa Foscari


FECHA TÉCNICA: Fue construido entre 1558 y 1560 . Se encuentra al lado del Brenta canal y se levanta sobre un pedestal, que es característico de la villas de Palladio; este pedestal es más masiva que la mayoría de la villas de Palladio (la base es de 11 pies de alto, más del doble de la altura Palladio normalmente se utiliza), ya que no era posible construir un sótano subterráneo en el sitio.
CONTEXTO: El interior de la villa está ricamente decorada con frescos de Battista, Franco y Zelotti Giambattista . Escenas mitológicas de Ovidio se alternan con alegorías de las Artes y las Virtudes.
ANÁLISIS SIMBÓLICO DE LA OBRA: La villa carece de los edificios agrícolas que son parte integrante de algunas de las villas de Palladio otros. Fue utilizado para recepciones oficiales, como la propuesta de Enrique III de Francia en 1574.
ICONOS DENTRO DE LA OBRA: Como en otras villas de Andrea Palladio, las pinturas reflejan la vida en casa, por ejemplo,Astraea mostrando Jove los placeres de la Tierra . Los frescos han restado interés a lo largo del tiempo, los signos de la creciente amenaza que la contaminación del aire representa a las obras de arte.
SIGNIFICADO DE LA OBRA: es un patricio chalet en Mira , cerca de Venecia , al norte de Italia , diseñado por el arquitecto italiano Andrea Palladio .
ANÁLISIS FORMAL O ESTÉTICO DE LA OBRA: En 1973, Antonio Foscari (un descendiente del linaje Foscari) y su esposa, Barbara del Vicario, se recuperó la villa, y han llevado a cabo un minucioso proceso de restauración de la villa a su grandeza original. Desde 1996 el edificio se ha conservado como parte del Patrimonio de la Humanidad “Ciudad de Vicenza y las villas de Paladio en Veneto “. [ 1 ] Hoy en día, la villa está abierta al público para visitas de forma limitada.

PINTURA
·         Tiziano Vecelli o Tiziano Vecelli


ANÁLISIS SENSORIAL: La Asunción de la Virgen María ha sido objeto de veneración , la doctrina y la católica de arte mariano durante siglos. 
FECHA TÉCNICA:   Esta fue la doctrina dogmática e infaliblemente definida por el Papa Pío XII en el 01 de noviembre 1950, en su Constitución Apostólica Munificentissimus Deus . Esta creencia se conoce como la Dormición de la Virgen de la Oriental y las Iglesias Orientales Ortodoxas. En las iglesias que lo observan, la Asunción es un gran día de fiesta , normalmente se celebra el 15 de agosto.
CONTEXTO: Asunción de María fue el cuerpo tomando de laVirgen María en el Cielo en la final de su vida. La Iglesia Católica Romana enseña como dogma que la Virgen María "de haber completado el curso de su vida terrena, fue asunta en cuerpo y alma a la gloria celestial." 
ANÁLISIS SIMBÓLICO DE LA OBRA: En su 15 de agosto 2004, homilía pronunciada en Lourdes , el Papa Juan Pablo II se cita a Juan 14:3 como una de las bases bíblicas para la comprensión del dogma de la Asunción de María. En este versículo, Jesús dice a sus discípulos en la Última Cena : "Si me fuere y os preparare lugar, vendré otra vez, y os tomaré a mí mismo, donde yo estoy, usted puede estar allí también." Según la teología católica, María es la prenda del cumplimiento de la promesa de Cristo.
ICONOS DENTRO DE LA OBRA: La fiesta de la Asunción el 15 de agosto es un día festivo en muchos países, incluido el Líbano, Italia, Malta, Bélgica, Portugal, Francia, España, Grecia, Polonia, Ecuador y Chile. [ 3 ] En las iglesias Ortodoxas Orientales tras el calendario juliano , el día de la fiesta de la Asunción de María se cae el 28 de agosto, y es un día festivo en la República de Macedonia
SIGNIFICADO DE LA OBRA: "Assunta" vuelve a dirigir aquí. Para el hospital en Malasia, vea Assunta Hospital .
"Santa María de la Asunción" vuelve a dirigir aquí. Para las iglesias con esta presentación, vea Santa María de la Asunción (iglesias) .
Este artículo es sobre el concepto teológico. Para las obras de arte con este título, vea la Asunción de la Virgen María en el Arte .
ANÁLISIS FORMAL O ESTÉTICO DE LA OBRA:  A pesar de la Asunción (del latín: Assumptio , "ocupado"), fue hace relativamente poco tiempo se define como infalible dogma por la Iglesia católica, ya pesar de una declaración de San Epifanio de Salamina en AD 377 que nadie sabía si María había muerto o no , [ 4 ] relatos apócrifos de la Asunción de María a los cielos han circulado al menos desde el siglo cuarto.

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ANÁLISIS SENSORIAL: La Danae serie (a veces conocido como Dánae y la lluvia de oro )

 
FECHA TÉCNICA: realizadas entre 1553 y 1556.  Según Ovidio, que fue aislado en un calabozo tras una profecía de que su hijo primogénito eventualmente matar a su padre. 
CONTEXTO: Dánae fue visto en la Edad Media y el Renacimiento como símbolo del efecto corruptor de la riqueza, lo que podría echar a perder incluso la belleza femenina o moral de la virtud. Las obras se basan en la mitológica figura de Dánae 
ANÁLISIS SIMBÓLICO DE LA OBRA: La serie por encargo de Felipe II se incluye entre los cuadros mitológicos descritos por Tiziano como "Poesie" ("poemas"). [ 7 ] Según la mitología griega conocida de Tiziano a través de Ovidio dice, cuando Acrisio consultó al oráculo sobre cómo iba a conseguir hombres los niños, se le dijo que su hija daría a luz un hijo que lo mataría. Acrisio luego encerrado y vigilado a su hija Dánae en un calabozo subterráneo. [ 8 ] Danae, conscientes de las consecuencias, se permitió ser seducida y embarazada por Zeus, quien la convenció para bajar sus defensas, apareciendo en forma de una lluvia de de oro
ICONOS DENTRO DE LA OBRA: Dánae fue seducida y quedó embarazada por Zeus (en la mitología romana, Júpiter ), que, descendiendo de Monte Olimpo , su seducido como una lluvia de oro.
SIGNIFICADO DE LA OBRA: la representación de la belleza física de la mujer y los personajes que le rodean en las distintas pinturas representan la protección de diferentes formas a Dánea
ANÁLISIS FORMAL O ESTÉTICO DE LA OBRA: 1. Dánae con Eros, 1544. Este cuadro muestra la figura juvenil de Eros junto Dánae. 120 cm × 172 cm. Museo Nacional de Capodimonte , Nápoles
2. Versión completa entre 1553-1554. Aquí, una niñera de envejecimiento ha sustituido a Eros, mientras que la tela que cubre la parte superior del muslo Dánae está ausente, dejando a su vista. 129 cm × 180 cm. Museo del Prado , Madrid
3. Tiziano, 1553-1554, Museo del Ermitage , San Petersburgo . Aquí las cifras están más cerca, pero el perro está ausente
4. Tiziano y el taller de 1564. Kunsthistorisches Museum , Viena. [ 1 ] Que no se de entrada de gran taller de Tiziano es revelado por el tratamiento más pesado de la piel de Danae de tono y el cuerpo, así como los tapices colgantes. Aquí una flor rosa sustituye el perro de la pintura de Madrid

·         Tintoretto cuyo nombre real es Jacopo Comin


ANÁLISIS SENSORIAL: El milagro del esclavo (también conocido como El Milagro de San Marcos 
FECHA TÉCNICA: 1548, es una pintura del artista renacentista italianoJacopo Tintoretto . Actualmente se encuentra en la Gallerie dell'Accademia de Venecia , norte de Italia, que originalmente fue destinado para la Scuola Grande di San Marco , una cofradía de la ciudad.
CONTEXTO: Se dice que Tintoretto pintó un techo de la casa de Pietro y que en otra ocasión, invitado a pintar su retrato, acudió y procedió a tomar las medidas de su modelo con una pistola o un estileto, indicando así que no era persona con la que se pudiese bromear. Después de los encargos de la Escuela de san Marcos, acabaron los años difíciles en la carrera del pintor.
ANÁLISIS SIMBÓLICO DE LA OBRA: Se describe un episodio de la vida de San Marcos, patrono de Venecia, tomado de Jacopo da Varazze 's Leyenda Dorada . La escena muestra, en la parte superior, el santo intervenir para hacer invulnerable a un esclavo que iba a ser martirizado por su veneración de las reliquias de un santo. Todas las figuras se inscriben en un escenario arquitectónico.
ICONOS DENTRO DE LA OBRA: diferentes influencias en el arte de Tintoretto se puede ver en la imagen: mientras que las anatomías son Miguel Ángel -como, la intensa y colores vivos son típicos de la escuela veneciana .
SIGNIFICADO DE LA OBRA: Son representaciones caracterizadas por una acción vehemente, desconocida hasta entonces en la pintura veneciana, con violentos escorzos. De 1548 es San Marcos liberando al esclavo, obra maestra innovadora que asienta su estilo. 
ANÁLISIS FORMAL O ESTÉTICO DE LA OBRA: La pintura de las paredes y techos de la Escuela de San Marcos supuso una enorme labor y marca el desarrollo personal del pintor. Este edificio puede considerarse, hoy en día, un santuario alzado por Tintoretto a su propio genio. El edificio se comenzó en 1525 por los Lombardi, y tenía una luz muy deficiente, así que era particularmente inapropiado para cualquier ornamentación pictórica
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ANÁLISIS SENSORIAL: La última cena (Tintoretto)


FECHA TÉCNICA: Fue pintado en los años 1592-1594, encontrándose en la Basílica de San Giorgio Maggiore de Venecia, Italia.
CONTEXTO: La última cena es un tema que el artista había trabajado en otras ocasiones, y es clásico en la pintura religiosa católica.
ANÁLISIS SIMBÓLICO DE LA OBRA: Este cuadro, como la Recogida del maná (1594) y La deposición (1592-94), fueron realizados para la iglesia y monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia. Se encuentra en un muro del presbiterio.
ICONOS DENTRO DE LA OBRA: En las manos de Tintoretto, la misma escena aparece dramáticamente distorsionada, utilizando una muy original perspectiva oblicua. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruentes. 
SIGNIFICADO DE LA OBRA: es la última gran obra del pintor italiano Tintoretto, con la que culmina su trayectoria como pintor. Está realizada en óleo sobre lienzo.
ANÁLISIS FORMAL O ESTÉTICO DE LA OBRA:   Es una obra oscura, en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo.
El tono es resueltamente barroco.

·         Leonardo da Vinci._


ANALISIS SENSORIAL._  Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.
FICHA TECNICA._ nacido en Vinci el 15 de abril de 1452 y fallecido en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloñay Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido.
CONTEXTO._ fue un pintor florentino y polímata  la vez artista, científico, ingeniero,inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor
ANALISIS SIMBOLICO DE LA OBRA._  El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, La Monna Lisa, La Joconde en francés o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.

ICONOS DE LA OBRA._ Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.
La Gioconda es el retrato más famoso de la historia y quizás el cuadro más famoso de la pintura occidental. Su fama se debe probablemente a las múltiples referencias literarias, a las diversas interpretaciones sobre la protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911.
SIGNIFICADO DE LA OBRA._ se cree que tiene la mas bella sonrisa en la historia del arte, ademas es muy enigmatica
Tene en cuenta que fue pintada en pleno renacimiento, y cumple con los canones de belleza de la epoca, ademas se cree que existe otro cuadro de similares caracteristicas que seria la verdadera "mona lisa".
ANALISIS FORMAL O ESTELISTICO DE LA OBRA._ En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y también puede destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen.
Aparece sentada en una galería, viéndose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas.
Mientras la retrataba, tenía gente cantando o tocando, y bufones que la hacían estar alegre, para rehuir esa melancolía que se suele dar en la pintura de retratos.
Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas.
El brazo izquierdo descansa sobre una butaca. La mano derecha se posa encima de este brazo. Esta postura transmite la impresión de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos.
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa dando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro.  El juego de sombras potencia la sensación de desconcierto que produce la sonrisa. No se sabe si parece sonreír o si es una sonrisa llena de amargura.
  
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ANÁLISIS SENSORIAL: La Última Cena 


FECHA TÉCNICA: Leonardo comenzó a trabajar en La Última Cena en 1495 y la completó en 1498, él no trabajó en la pintura de forma continua. Esta fecha de inicio no es seguro, ya que "los archivos del convento han sido destruidas y nuestra fecha de los documentos escasos de 1497 cuando la obra estaba casi terminada." 
CONTEXTO: El tema fue uno tradicional para comedores , aunque la sala no era un refectorio en el momento en que Leonardo la pintó. El edificio de la iglesia principal había sido recientemente completado (en 1498), pero fue remodelado por Bramante , contratado por Ludovico Sforza, para construir un mausoleo de la familia Sforza.
ANÁLISIS SIMBÓLICO DE LA OBRA: La Última Cena específicamente retrata la reacción dada por cada apóstol, cuando Jesús dijo que uno de ellos lo traicionaría. Los doce apóstoles tienen diferentes reacciones a la noticia, con varios grados de la ira y el shock. Los apóstoles son identificados a partir de un manuscrito (Los cuadernos de Leonardo Da Vinci, p. 232) con sus nombres se encuentran en el siglo 19.
ICONOS DENTRO DE LA OBRA: El lunetos por encima de la pintura principal, formado por el arco del techo triple del refectorio, se pintan con Sforza escudos de armas . La pared opuesta del refectorio está cubierto por la crucifixión fresco de Giovanni da Donato Montorfano , a la que Leonardo agregó figuras de la familia Sforza al temple.
SIGNIFICADO DE LA OBRA: ( italiano : Il Cenacolo o L'Ultima Cena ) es un siglo 15 murales de pintura en Milán, creada por Leonardo para su mecenas el duque Ludovico Sforza y su duquesa Beatrice d' Este . Representa la escena dela de los últimos días de Jesús según lo narrado en el Evangelio de Juan 13:21, cuando Jesús anuncia que uno de sus doce apóstoles lo traicionaría. 
ANÁLISIS FORMAL O ESTÉTICO DE LA OBRA: La Última Cena medidas 450 × 870 centímetros (15 pies x 29 pies) y tiene una pared de extremo del comedor en el monasterio de Santa María delle Grazie en Milán, Italia .

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